Charla de Soledad Otero


Sobre la técnica, artistas, colegas que influyen en tu trabajo.


Actualmente experimento con varias técnicas, dependiendo de qué trabajo esté haciendo. La que más usualmente utilizo, en especial para trabajos de ilustración de moda e ilustración infantil, es la técnica vectorial, con el programa Illustrator, con la posterior aplicación de luces y sombras en el Photoshop.


¿Nos contás algo de la cocina de tu trabajo?


Cuando trabajo con esta técnica no suelo hacer lápices demasiado detallados, son bocetos que prácticamente yo sola entiendo. Esto se debe principalmente a que, por más que el acabado sea mejor, no suelo respetar el lápiz, y corrijo mucho los dibujos al entintar o vectorizar.
Para las historietas en cambio prefiero entintar. Puedo hacerlo de varias maneras; tinta china y plumín, estilógrafos descartables o entintado digital. La primera opción la uso sólo cuando puedo dedicarle mucho tiempo a la página, y usualmente trabajo en páginas tamaño A3 para que quede lo más prolijo posible, defino lo mejor que puedo el lápiz, y suelo utilizar tinta azul. Con el entitado por estilógrafo uso hojas tamaño A4 u oficio, y defino menos el lápiz. Cuando entinto digitalmente suelo dibujar muy chiquito y esquemático y defino al entintar, al igual que cuando vectorizo. Las tres opciones las coloreo con varias capas en multiply en el Photoshop. Una capa la uso para sombrear, bajando la opacidad, y varío de pinceles duros a blandos según el efecto que quiero lograr. Me gusta usar paletas limitadas, de dos o 3 colores, porque me gusta mantener la simplicidad del estilo, aunque eso no quieta que a veces pruebe usar muchos colores e inclusive coloree la línea. Me gusta ir probando distintos caminos y ver con qué me siento más cómoda, y creo que todavía no descubrí el perfecto.

Cuando se trata de ilustración infantil hay varias cosas que trato de enfocar, la composición, la paleta de color (también me gusta limitarla, pero no tanto como en las historietas) y los detalles en prendas y texturas. Estoy casi recibida de diseño textil y me gusta que los estampados cobren protagonismo en mis ilustraciones. Suelo hacerlos yo misma. Las ideas para las ilustraciones infantiles vienen de muchos lados, canciones, juegos, libros, garabatos que hago mientras hablo por telefono, etc. Siempre tengo un par de ideas pendientes para dibujar.

En cuanto a la historieta, hasta ahora mis guiones largos no pasaron de ser meros proyectos, algunos tienen los argumentos escritos en borrador, pero todavía no tuve tiempo de dibujar ninguno. En cambio las historietas cortas son más faciles de realizar porque el blog me sirve de excusa para poder publicarlas. Los guiones vienen de experiencias y vivencias cotidianas, a veces son autobiográficos, otras veces expresivos, y ultimamente vengo trabajando en cosas más surrealistas. Me gusta hacer historietas para nenas y chicas, protagonizadas siempre por chicas, pero también me gusta el humor gráfico y la novela gráfica. Trato de no encasillarme en nada, hago lo que me gusta y me resulte divertido en el momento. A veces también saco fotos, tejo, o coso muñecos de peluche, sin embargo me gustaría poder encarar con seriedad algún proyecto más largo en el futuro, cuando las ocupaciones me lo permitan.

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¿Qué artistas admirás y sentís que te influyeron? ¿Qué es lo que te identifica?

Admiro muchísimo a varias artistas de la historieta francesa, y de otros lugares del mundo, así como ilustradoras y animadoras: Lorena Alvarez, Genevieve Godbout, Emmanuelle Walker, Line Tship, Aliki, Aramel, Helen Dardik, Chhuy- Ing Ia, Ana Galván, Vernay, etc. Me gustan cosas muy diferentes, aunque de algunas personas tenga más influencias que de otras. Creo que todavía conservo algunos resabios de la narrativa del manga, que fue mi lectura favorita en la época en la que empecé a dibujar historieta. Mi autora favorita es Rumiko Takahashi.

Además también puedo mencionar como influencias a algunos escritores y músicos, Boris Vian, Murakami, Cotázar, Auster. CocoRosie, Mum, Amiina, Azure Ray son algunas de las bandas que me acompañan cuando trabajo, trato de concentrrme en la delicadeza y la sutilezade la musica y transmitírsela a mis dibujos.



¿Qué balance hacés de la charla con tus colegas?

Le agradezco a ADA y a todos los que vinieron a escuchar mi charla por su atención, espero no haberles resultado demasiado tímida y haberme explicado bien, fue una experiencia muy grata y la compañía de Dolo fue excelente.



¡Pasen y vean!









































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Charla de Dolores Okecki



Sobre la técnica, artistas, colegas que influyen en tu trabajo.

Trato de tomar nota de toda obra que me gusta y tengo una lista bastante larga de blogs de artistas que visito cada tanto. Para nombrar algunos: Garnido, Moebius, Barbussi, Munuera, Paul Pope, Sonny Liew, Tanaka, todo lo de Ghibli, Arakawa,
Corrado Mastantuono, Denis Bodart, Nicolas Marlet, y podría seguir...

Me gusta ver cómo encaran la construcción del dibujo algunos; otros, cómo resuelven cosas de estilo, y otros simplemente cómo narran gráficamente, sobre todo en el cómic.

Por la técnica, en general me suelo repartir en técnicas digitales y tradicionales a la hora de entintar, pero el coloreado es casi siempre en photoshop. Entintar a mano tiene esa cosa analógica que me gusta mucho, el digital es más para cuando quiero líneas más precisas o el tiempo juega en contra, o simplemente hago una obra de principio a fin en la máquina. Trato de todas formas de hacer el boceto a lápiz antes, pero a veces bocetear en digital es mejor, por el poder de edición que tienen los programas gráficos. Todavía no sé si afianzar un estilo en particular, me gusta estar experimentando dentro de esas dos metodologías, pero supongo que el estilo va saliendo solo.




¿Nos contás algo de la cocina de tu trabajo?

Suelo empezar casi siempre con bocetos muy chicos. De ahí voy al boceto en lápiz que suelo trabajar al doble o al triple de su tamaño de impresión. Si algo no me gusta, recalco el dibujo con el tablero de luz hasta que siento que está bien (este paso se puede dar en PC). A continuación lo entinto a pluma, dibujo previo solo en azul; o lo escaneo y entinto en el photoshop (también convierto en azul la línea antes) con la tableta grafica. Finalmente coloreo o agrego grises en el photoshop.

Muchos proyectos personales son boceteados en mi tiempo libre en un cuaderno que tengo. Lo llevo siempre conmigo por si salta la inspiración, casi siempre lo hace en los lugares menos prácticos. La mayoría de estos proyectos terminan en un cajón desgraciadamente, pero últimamente trato de no bajar los brazos y no empezar uno nuevo hasta terminar el otro, difícil igual.


¿Qué balance hacés de la charla con tus colegas?

Disfruté mucho de la charla aunque la próxima vez prometo ir con ideas más ordenadas jaja; se dio todo en un ambiente muy agradable y la charla que dio Sole después estuvo muy buena.

Me gusta hablar de técnicas y materiales y siempre salta alguna información útil. Compartir libros de autores favoritos y ver que uno no es el único que los conoce también es muy disfrutable.








¡pasen y vean!

Una pequeña selección de autores que me gustan:


Yaxin

Denis Bodart

Sonny Liew's

Matthieu Forichon

Corrado Mastantuono


Gaialot

John Nevarez

Caracter Design


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Charla de David Pugliese



Sobre la técnica, artistas, colegas que influyen en tu trabajo.

La caricatura me resulta interesante por la interpretación y exageración de los rasgos y porque me permite utilizar cierta diversidad técnica, tomando cada personaje como un nuevo desafío plástico.
Mi idea en la charla fue trazar un paralelo entre la caricatura de "gente conocida" y mi obra personal, que la trabajo volcando recursos similares pero con una libertad absoluta, sin condicionamientos, ni fechas de entrega...


Dentro del dibujo y la pintura hay muchos artistas que son una gran fuente de inspiración pero para nombrar algunos: Carlos Nine, Alcatena, Roux, Alberto y Enrique Breccia, Hermenegildo y Alfredo Sábat, Grillo, Chichoni, Sebastián Dufour, Krûger, Cárcamo, Ron English, Daniel Adel, Brad Holland, Eric White, Joe Sorren e interminables etcéteras...

Aunque mis influencias vienen también de la música, el diseño, el cine. Me inspiran las cosas que están bien hechas en serio, con fundamento y raíces.


¿Nos contás algo de la cocina de tu trabajo?




Generalmente hago bocetos, estudios previos, y, una vez que el dibujo me convence, lo paso al soporte en el que realizo el original. Puede ser papel, cartón o tela.


Depende de la foto, elijo la técnica que me parece más adecuada al personaje o a lo que quiero mostrar: puede ser tinta, lápiz de grafito, lápiz de color o acrílico, que es una técnica que me dio resultados sorprendentes utilizándolo aguado (como si fuera acuarela) y también empastando como si fuera óleo. También utilizo el aerógrafo pero para hacer monocromías, me cansé de preparar los colores...

El óleo ultimamente me lo estoy guardando para pintar en grande y con tiempo.


Otro procedimiento que utilizo son los garabatos y las manchas, allí se esconden maravillosos personajes.


¿Qué balance hacés de la charla con tus colegas?


Siempre es interesante el punto de vista de los colegas, todos estamos influenciándonos constantemente; es muy enriquecedor.




¡pasen y vean!
Cau Gomez
Jeremy Geddes
Miran Revista Grafica

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Charla de Ignacio Noé



Sobre la técnica, artistas, colegas que influyen en tu trabajo.

Al principio, yo tenía cierto prejuicio con la acuarela pues entendía que no podía hacer correcciones. Por otra parte estaba acostumbrado a pintar con óleo, o sea con colores opacos.
Con el tiempo, usando este material, vi la posibilidad de pintar con colores transparentes en veladura. Pero este uso de las veladuras lo sistematicé con el acrílico y no con la acuarela, que solo las usé para algunas ilustraciones de fondo blanco en Noticias.

Recién cuando comencé a ilustrar unos libros para Genios se me hizo un medio habitual. A esa altura tenía mucho interés en desarrollar esa técnica y desde entonces la uso continuamente.

La influencia más fuerte de todas las que tuve fue la de la obra de Carlos Nine .
Cuando vi sus ilustraciones, dejé de hacer lo que estaba haciendo para hacer caras con arrugas. La composición, el sentido expresionista del trazo y el ilusionismo virtuoso que me habían interesado en Klimt y que yo me proponía hacer, lo vi actualizado y renovado en Nine . Me partió la cabeza . Y el medio de Nine es la acuarela.



¿Nos contás algo de la cocina de tu trabajo?


Mi manera de trabajar es muy tradicional . Leo el cuento y busco las imágenes más representativas del mismo en su justa jerarquía y viendo el conjunto de las ilustraciones como un todo. Luego busco documentación y hago bocetos de los trabajos en papeles cualquiera o en la PC.

Después calco el dibujo casi terminado con un vidrio o lo imprimo, según sea el caso, en un papel de acuarelas (generalmente Fabriano diseño 5 ). Termino el dibujo y pinto con acuarela .

Alguna vez hice el color con acuarela y después de escanear el trabajo lo terminé en la PC con el programa Corel-Painter 9.



¿Qué balance hacés de la charla con tus colegas?

Disfruté mucho de la charla , me gusta mostrar mis trabajos y mucho más para colegas que pueden tener una mirada diferente al público común.

¡pasen y vean!

Páginas hay muchas y no podría seleccionarlas y ponerlas aquí .
Lo que sí quiero hacer es comentar un hábito que tengo desde hace un par de años: todos los días a la mañana veo la página canadiense

DRAWN


Seguramente debe haber mejores y más interesantes pero a mí se me pegó esto.

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Charla de Rodrigo Lujan

Sobre la técnica: artistas, colegas que influyen en tu trabajo.

Creo que si tuviera que nombrar mis influencias como acuarelista (¿?), tendría que empezar por Carlos Nine; veo en sus trabajos un resultado que me resulta difícil de seguir, casi ni parece acuarela, pero ahí está, es increíble.

Pero en realidad mi gran influencia fue un libro de Kent Williams que me compré hace unos años. También admiro muchísimo a Nicolas De Crecy, su manera de dibujar y aplicar colores al agua (aún no tengo muy en claro que lo que usa sea acuarela) es impresionante. Despues la lista sigue…

¿Qué artistas admirás y sentís que te influyeron? ¿Qué es lo que te identifica?

Admiro a muchísimos artistas, muchos de verdad. Creo que De Crecy es quien mas me influenció. Tal vez porque hace historietas de la manera que a mí me gusta ver (y leer) historietas. Pero remontándome hacia atrás, creo que Frank Frazetta influyó muchísimo sobre mi interés por el color y el resultado ilustrativo de todo lo que hago. También Berni Wrightson, Kent Williams, Jeff Jones, etc.
Me identifico con ellos porque cuentan con sus dibujos las cosas que me gusta que me cuenten, creo que es eso…

¿Por qué elegiste esta técnica en particular?

Elegí esta técnica porque le tengo terror al óleo, que fue mi primer amor. Encuentro en la acuarela una manera de obtener resultados plásticos de forma mas rápida, por decirlo de alguna manera, y sin recurrir al acrílico, del que me molesta mucho su secado rápido.



¿Nos contás algo de la cocina de tu trabajo?

Empiezo dibujando sobre la hoja donde voy a pintar (soy un tanto ansioso), no hago más boceto que un pequeño “storyboard” en el que planteo la composición, y luego me mando. Si algo cambia en el camino, bienvenido sea. A la parte del dibujo le doy mucha importancia, creo que es el cimiento esencial para que el trabajo final quede bien, si no hay buen dibujo, no hay buena pintura.
Y una vez terminado el dibujo, lo pinto con acuarela, de claro a oscuro, sin secretos.

¿Qué balance hacés de la charla con tus colegas?

Me parecio buenísima, muy divertida. Es la oportunidad que tenemos los dibujantes de que nos vean a nosotros y no solo nuestros dibujos, aunque estos últimos sean lo más importante. Es lindo hablar de lo que uno hace y contestar preguntas, uno se descubre a sí mismo también, racionaliza a través de la palabra cosas que están en la cabeza pero nunca se detuvo a pensar con conciencia. ¡Muy linda experiencia!

¡¡Muchas gracias por habernos dado el espacio!!!

¡pasen y vean!

KENT WILLIAMS
NICOLAS DE CRECY
CARLOS NINE


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Charla de Quieze (Ezequiel Quines)


Sobre la técnica: artistas, colegas que influyen en tu trabajo.

Mis comienzos con técnicas al agua (tintas y anilinas) se dieron en mi adolescencia, influenciado por humoristas gráficos como Caloi, Mordillo y Garaycochea. Más tarde, con la bifurcación de mi estilo y de mis inquietudes, comencé a mirar a Carlos Nine y a Roux, los cuales me inspiraron a trabajar de lleno con la acuarela. Hoy en día sería inexacto si solo citara a estos artistas ya que, mas allá de la técnica que emplee, miro a pintores como Sorolla, Klimt, Schiele, Hundertwasser, Bacon, y unos 3 o 4 etcs. más entre los cuales también se encuentran fotógrafos, y escritores.

¿Qué artistas admirás y sentís que te influyeron? ¿Qué es lo que te identifica?

Si tengo que nombrar acuarelistas que admiro más allá de la influencia que tienen en mi trabajo, son sin duda Sargent, Turner, Klee y Scacchi.

¿Por qué elegiste esta técnica en particular?

La acuarela me permite tener una soltura espontánea e injustificada. La acuarela produce ciertos caprichos que van más allá del dominio que uno puede tener sobre ella, son caprichos que surgen de la acuarela misma y no de uno, y ahí es donde yo me divierto, reconociendo esa sugestión y saber dejarla cuando corresponde y taparla cuando no.



¿Nos contás algo de la cocina de tu trabajo?

Sí, (jaj). A la hora de trabajar técnicas al agua, tengo al alcance una hoja en blanco de bocetos, una hoja satinada o una especial para acuarela (ambas dos de 300 gr aprox) y otra hoja en blanco para bocetar cosas sin sentido para experimentar y para pasar el tiempo en que dejo secar la hoja para poder seguir manchando con acuarelas.

Primero hago un boceto en una hoja en blanco y luego lo calco en una mesa de luz en una hoja que soporte acuarelas, tenso la hoja; cuando se seca, comienzo a batallar con los pinceles y la pintura. Una vez acabado, si es un encargo lo escaneo, regulo los colores para que estén lo más fiel al original y lo envío al editor que corresponda. Si no es un encargo, lo miro por un tiempo largo, me entusiasmo, me enorgullezco, me decepciono y lo archivo con una gran cantidad de trabajos que no van a ver la luz de la web ni de una imprenta.

En el caso de la hoja de laboratorio, lo escaneo y luego de unos meses lo subo a un blog que abrí especialmente para estos bocetos


¿Qué balance hacés de la charla con tus colegas?


La charla con dibujantes fue muy positiva con el solo hecho al contrarrestar la soledad de esta profesión. De mostrar detalles que no se pueden admirar por los blogs, y de conocer sus opiniones de una manera más certera.



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Charla de Arminda San Martín


Sobre la técnica, artistas, colegas que influyen en tu trabajo.
En realidad, mi primer contacto con la pintura fue con el óleo y años después con el acrílico. Las acuarelas eran para apuntes rápidos o el medio que me acompañaba al viajar. Pero cuando me ofrecieron la posibilidad de ilustrar un libro no dudé de que las acuarelas serían mis aliadas. Creo que las cualidades mismas del medio se reflejan en la obra, y esto es que es fresca y transparente. Se presta a la espontaneidad y al mismo tiempo al detalle refinado y preciso. Creo también que se necesita una buena base de dibujo, no hablo de un dibujo coloreado, o que no se pueda encarar algo abstracto, pero sí es verdad que un buen dibujo determina mucho de la calidad de una obra en acuarela. También la noción de valores que se adquiere al dibujar ayuda a tener en claro la intensidad que queremos lograr y así no ensuciar el trabajo repasándolo muchas veces.Mi primera influencia en la acuarela, y en el dibujo, fue mi padre. En su adolescencia, acostumbraba pasar los fines de semana en el Tigre, donde pintaba sus canales, árboles y cielos reflejados en el agua. Vendió alguna de ellas, pero después abandonó en aras de un trabajo "serio", pensando en el futuro. Continuó dibujando, pero en el campo técnico, vinculado a la arquitectura.

¿Qué artistas admirás y sentís que te influyeron? ¿Qué es lo que te identifica?
Si tengo que nombrar un artista cuyas acuarelas me parecen magníficas y que no me canso de mirar es Paul Cezanne. Creo que su obra trasciende el tiempo, fue el padre de todo el arte del siglo veinte, hizo escuela con cada pincelada. En lo personal me seduce su síntesis, cómo consigue liviandad en un trabajo que tiene una estructura tan sólida.Un maestro de la luz, Turner.
Un clásico que admiro, Norman Rockwell. Un arquitecto, Antonio Gaudí.
¿Nos contás algo de la cocina de tu trabajo?Algo bastante determinante para mí, a la hora de comenzar, es el tamaño del trabajo. Cuando el trabajo es pequeño -desde una viñeta hasta una A4 con una imagen sola-, lo encaro directamente sin boceto previo. Dibujo en lápiz grafito con línea muy suave; y si quiero que desaparezca, con lápiz acuarelable en un beige claro. Trato de usar un papel bien blanco, con poca rugosidad, para poder llegar a los detalles sin que interfiera. Me gusta la sensación del papel pesado y rugoso para los trabajos más sueltos, pero en general no es eso lo que hago como ilustración; lo uso más para mis propios proyectos. Algo que recomiendo y que puedo hacer ahora que tengo el equipo, es escanear y digitalizar yo misma los trabajos; esto me da un poco más de control sobre el final de la imagen, ahorrándome también la dificultad de la devolución de originales.

¿Qué balance hacés de la charla con tus colegas?
En realidad, fue un placer inesperado. Fue muy bueno mostrar lo que hago y dialogar con los colegas que conozco a través de sus dibujos, pero de los que no sabía ni siquiera los nombres. El asociarme a A.D.A. me permitió acercarme a un mundo que siempre admiré y del que no sé casi nada, y esta reunión hizo que me sintiera incluida en él, fue muy bueno, realmente lo agradezco. No recuerdo muy bien las preguntas, sólo espero que mis respuestas y el material que llevé despierten las ganas de usar la acuarela a los que no lo intentaron todavía.


¡pasen y vean!
Un libro, Free Play, La improvisación en la vida y en el arte, Stephen Nachmanovitch, Ed. Paidos.
El jardín nos enseña todo lo que queramos aprender.Hijos. Artistas .

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